Dic 31 2025 31 diciembre, 2025 13 marzo, 2026 NoComentario por Lucas Germán Burgos

Los 5 mejores discos del 2025

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Nuevo Top 5 con los mejores discos del año en esta versión ampliada de mi nota en el diario Los Andes con más data musical y los álbumes enteros para escuchar. Este 2025 elijo reconocer a la trayectoria de estos notables músicos con obras muy disfrutables, que se superaron a ellos mismos, gran ejemplo, con sus últimos trabajos.

  1. Robert Glasper – Let Go

Let Go es el disco perfecto para iniciar este review de los discos del año que se termina, la traducción sería: Déjalo ir. Robert Glasper es el gran cerebro de la música negra actual, el álbum es exquisito, y siendo él un músico y productor tan colaborativo (algo muy presente sin duda en sus recomendadísimos “Black Radio” junto a los mejores músicos, cantantes y raperos afronorteamericanos de este siglo), esta obra destaca en su discografía por su impronta íntima en la que brilla él primariamente por su virtuosismo en el piano, con arreglos musicales admirables.

Es un LP perfecto para ponerlo a la noche para cuando dejás tu trabajo, responsabilidades y tan solo querés relajarte y disfrutar, tal vez dejar ir un día difícil, que para algunos será este año… El disco llama a la calma y a la introspección, cuando lo presentó Glasper dijo: “Toda mi carrera, todos han estado diciendo que mi música es meditativa… Es simplemente algo que aquieta el mundo y te permite ver lo que hay dentro.”1. 

Apenas en el primer tema suena moderadamente la voz de Meshell Ndegeocello, entre sensual y poéticamente femenina para la brillante apertura de «Breathing Underwater» (Respirar Bajo el Agua) con un mensaje de amor en la que canta ella versos como “Juntos caminamos hacia el océano”, o “Alma mía, no seas tonta. Florece. Abre tu corazón”, metáforas y mensajes puros de que nadie puede solo, Glasper y Ndegeocello le cantan al amor en tiempos donde las histerias y relaciones de abusos son moneda corriente en los medios masivos de comunicación como nunca antes, las imagénes de la decadencia en la que va el mundo.

Robert Glasper sin duda es uno de los músicos que el mundo debe reconocer. Casi no se escucha música negra en la Argentina, y basta ver los discos más escuchados del año según las publicaciones musicales más famosas del mundo, para comprobar que casi no hay artistas de color reconocidos, al menos no en los primeros puestos. El mundo es mayormente racista, es una verdad que nadie pareciera querer decir. En el vecino país de Brasil sin ir más lejos, han luchado mucho social, cultural, y políticamente, para dejar de lado la discriminación en una sociedad con muchos contrastes, hasta raciales. Los que amamos el fútbol champagne vimos el sufrimiento de Vinicius Jr. en el Real Madrid sufriendo la discriminación de la afición española en el 2023, para un año más tarde en sentencia histórica, saber que esos tres hinchas que se burlaron de él con expresiones racistas, fueron condenados a ocho meses de prisión y dos años sin entrar a estadios2. Si fuera blanco Glasper estaría igual en este review, y seguramente lo habría puesto también en primer lugar, no es mi intención ser políticamente correcto, pero también soy filósofo, y un intelectual comprometido. Glasper es un músico genial capaz de hacerte vibrar con los ritmos propios del “black power”, pero con una musicalidad que en este trabajo está presente como en ninguno de sus otros trabajos. Me imagino a músicos hiper ultra virtuosos como Lang Lang; el pianista chino estrella de la música clásica actual, disfrutando con admiración de la sutileza de Glasper con su piano. Para las mentes abiertas, en un mundo conectadísimo como el de hoy, definitivamente no hay fronteras.

  1. Suede – Antidepressants

Suede es lo que queda del elegante esplendor del rock británico, en clave barroca. Si el año pasado estuvo marcado por los regresos triunfales como el de The Cure, también el de Smashing Pumpkins3, definitivamente eso no aplica para la banda liderada por Brett Anderson; hace años que vienen sacando discos muy contundentes con una coherencia identitaria única.

Ya no hay glam en Suede (gamuza), ni en otra banda o solista, la industria se apropió de un concepto que supo ser transgresor, para vender productos de moda y cosmética a las mujeres principalmente. Por algo Anderson canta a sus 58 años con un sonido rockero y poderoso esa canción que define tanto a nuestra sociedad actual; los antidepresivos, la medicación para la segunda enfermedad mental más común, y la mayor causa de discapacidad4 que ni la psicología quiere denominar hoy como tal, para hablar en su lugar de “trastorno”. “Vivimos en una cultura del adormecimiento. Estamos aterrorizados de la muerte, del dolor y de la incomodidad. Si experimentamos infelicidad, vamos al médico y nos dan una pastilla, en lugar de abrazarla como parte de la condición humana”5, dijo el líder de la banda meses atrás sobre la impronta del disco.

“Disintegrate” es el hit rockero del año, Anderson también es un romántico, pero en él no hay esperanza. “Desciende y desintégrate conmigo. Nos han cortado como a margaritas, como a las amapolas que sobresalen”, el tipo sabe que es una flor sobreviviendo al duro paso del tiempo, a la decadencia de un mundo cruel para personas de una sensibilidad como la suya. El rock no quiere jubilarse, simplemente se muere viejo y enfermo, como la vida de cualquier persona normal enfrentando la decrepitud. Bowie anunció su muerte con “Blackstar”, Ozzy se despidió a lo grande como la leyenda del metal que fue. Por suerte, hay Suede para rato, los tipos ya en el segundo tema del álbum invitan a una fiesta rockera defendiendo su cultura europea, tomando distancia de la hegemonía estadounidense con su soft power. 

  1. Nine Inch Nails – TRON: Ares

La electrónica siempre nos da respuestas a los buscadores de sonidos nuevos, no hay otro género musical más representativo de esto en cuanto a la búsqueda de la innovación sonora a través del uso de la tecnología.

Y un disco de Nine Inch Nails siempre es noticia, sobre todo aquellos más redondos, de banda para salir a tocar en vivo, no aquellos experimentales para escuchar solo tranquilo. Trent Reznor recibió el legado musical futurista de TRON que comienza desde la primera entrega de la saga en 1982, y él toma la posta de la banda sonora de nada más y nada menos que Daft Punk, para a mí juicio, superarla con su gran socio musical de Atticus Ross, ellos dos ahora son la banda. Aquél músico que maravilló al mundo con su rock industrial caracterizado mayormente por las guitarras procesadas con las que brilló en los videoclips icónicos de la MTV de los 90, hoy se mueve como pez en el agua con la música electrónica para la creación de soundtracks, siguiendo la estela que lo llevó a ganar su primer Oscar junto a Ross, con la recordada banda sonora de “The Social Network”.

En TRON: Ares casi no hay intro, diez segundos y los tipos te tiran beats para ponerte a bailar. Es un álbum realmente complejo que invita a un verdadero “deep listening” (escucha profunda), ideal para los amantes de los buenos auriculares, porque tiene muchas aristas, pero Reznor con Ross salen ampliamente vencedores del desafío completando la experiencia audiovisual de la película con una música capaz de asombrar tanto a los fans de la saga, como hasta los viejos fans de Nine Inch Nails; el hit del disco sin duda es “As Alive as You Need Me to Be” (Tan Vivo Como Necesites que Esté) con él cantando “Dame algo en lo que creer. Todas estas manos me tienen atrapado”. Reznor sigue fiel a su esencia, reinventándose otra vez genialmente.

  1. Lucy Dacus – Forever is a feeling

Lucy Dacus llegó a un nivel de sofisticación admirable con su último disco. Es la voz femenina del indie, superó hasta a su amiga Julien Baker; una de las tres “Boygenius” junto a Phoebe Bridgers. Por años he odiado a esos boludos y boludas que cantan mal a propósito con voces impostadas, tonos forzadamente apendejados, y hasta poses ridículas. Dacus tiene un registro vocal muy natural, no se esfuerza por cantar bien, su voz es así de encantadora. Y desde la tapa del disco ella pone a su música a la altura de pieza de museo. Y no, definitivamente no es exagerado, menos en los tiempos que corren, con una cultura tan deteriorada; en la música, el arte en general, la sociedad… Que quede claro para el lector de tendencia, entendido en la materia, que si esta es mi selección es porque escuché los discos reconocidos por el mainstream, y estos son por el contrario, los que yo elijo en un acto de justicia artística, tomando distancia de aquellas complacencias de mercado.

El álbum empieza con un preludio de cuerdas que invocan a la diosa Calíope; la de la bella voz, musa de la poesía épica a quienes los griegos de la Antigüedad le atribuyeron la invención del canto. Otra de las canciones remite literalmente también a Modigliani con sus pictóricas expresiones de melancolía femenina. La figura del pintor contemporáneo Will St. John está muy presente con su pintura retrato de Lucy Dacus para la tapa del disco, y en tiempos donde músicos y bandas buscan innovar con sus visualizaciones de tecnologías de vanguardia, ella muestra los dibujos de este artista, con un sello atemporal en obras de elogiable técnica que recuerdan hasta aquellos trabajos de Dürer.

Y en estas épocas de amores fugaces, e historias que ni llegan a ser lo primero, Dacus es una romántica que canta “Para siempre es un sentimiento”, la canción que le da nombre al disco, como esos amores profundos que te marcan para toda la vida. Escucharla cantar, especialmente en este disco, es amar su música. El arte está para rescatar a ese mundo entre perdido y amenazado, de eso hablé en mi último ensayo filosófico.

  1. Richard Ashcroft – Lovin’ You

Lo más ridículo de la “oasis manía” que trajo a los hermanos Gallagher hasta la Argentina meses atrás con su rentable negocio de la nostalgia para cantar sus hits de los ‘90, es que eligieron a su viejo amigo Richard Ashcroft de telonero, quien en teoría venía a presentar su flamante disco, pero cometió el error de no tocar ni uno sola de sus nuevas canciones, e ir a lo seguro con los hits de The Verve y algo de su primera etapa solista. Él también es otro valioso ejemplo de un músico que está en un muy alto nivel compositivo manteniéndose vigente en el tiempo.

Lovin’ You (Amándote) es un excelente ejemplo de buena música con pretensiones comerciales, es el disco que podés poner el Domingo almorzando con tu familia y nadie pondría caras raras. Ed Sheeran se podría copar con una canción como “Find Another Reason” (Encuentra Otra Razón), agarrar la criolla, aguzar el oído para sacar el riff, y ponerse a cantar ese pedazo de tema. 

El disco tiene muy buena onda, un sonido pop por momentos, al segundo tema enlaza con el hit con el que se dió a conocer como solista al mundo, aquella recordada canción para los amantes, ahora queriendo sacudirse el blues, cantándole a su amada con delicadas capas de guitarra eléctrica entremezclándose con ese sonido acústico que caracteriza su carrera solista. El tipo también la rockea, y hasta pone a bailar a todos otra vez con la colaboración en este álbum de Mirwais como el rebelde que es, quien dejó a su banda de la sinfonía agridulce que sigue sonando en el mundo, para hacer la música que quiere hacer solo, deleitando a sus fans con sus notables melodías.

Versión extendida de la nota publicada en el diario Los Andes.

Dedicada a Cláudia Catarina Flores da Silva.

Fuentes:

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